SkunkDog

David Negri, alias SkunkDog est un artiste français né en 1968, qui vit et travaille actuellement à Marseille.

Bercé dans la peinture depuis sa naissance, c’est son père qui lui en a transmis la passion. Malgré cela, SkunkDog débutera sa carrière d’artiste peintre tard car avant de se lancer dans cette activité, il passera la plupart de son temps à jouer de la musique avec son ami Robert Bilbil, photographe et fan de rock tout comme lui.  

En parallèle, SkunkDog travaille dans les bars en tant que « vendeur de pastis » pendant près de 17 ans. Au fil des années, il tombe dans la routine et l’ennui et prend conscience qu’il existe des activités plus passionnantes : il se voue alors à l’Art !  

Sa carrière artistique commence à Paris et se poursuit à Apt dans le Luberon, où il vend quelques-unes de ses peintures. Il fait ensuite la connaissance du peintre Dijonnais Robelin qui lui donne sa chance en lui permettant d’exposer ses œuvres pour la première fois en Provence.

Commence alors l’aventure de SkunkDog. Suite à cette première exposition, tout s’enchaîne : expositions, rencontres, sa carrière prend un nouveau tournant ! Il rencontre ensuite Françoise Sifferein-Blanc, détentrice de l’une de ses œuvres et grande amatrice de son travail, qui lui propose d’organiser un accrochage à domicile. Une semaine plus tard, elle déniche un autre lieu pour exposer ses tableaux : la Greenhouse, à New York City, où il y fera la rencontre de Jerry Froust qui l’initie au mouvement Jungle.

Entre Marseille et New York, SkunkDog adopte un nouveau style : le Punk Art, qui mélange l’art figuratif, l’art brut et le pop art. Il réalise alors des œuvres trash et colorées, dans lesquelles on perçoit toutes sortes d’émotions telles que l’amour, la violence, la générosité ou encore l’excès.

SkunkDog travaille principalement en atelier, mais la rue ne lui est pas inconnue. Il a notamment fait la connaissance des graffeurs du crew marseillais NWS qui lui ont ouvert des portes et lui ont permis d’avoir accès à de grandes opportunités.

Kurar

C’est à la fin des années 90 que Kurar entre dans le monde du graffiti. Pendant près de 10 ans, il va peindre et travailler la 3D, le volume, la couleur. Avec le temps et l’expérience, Kurar réalise des œuvres toutes différentes les unes des autres car il diversifie ses techniques : collage, graffiti, vandale, tout y passe, mais l’artiste a une préférence pour le pochoir.

Ses œuvres traitent toutes de sujets actuels qui nous poussent à réfléchir sur notre vision de la société actuelle. Avec humour, provocation et poésie, Kurar peint sur toile des sujets sensibles tels que la guerre, la société de consommation ou encore la religion.

Sa marque de fabrique est l’utilisation et la représentation des enfants dans la plupart de ses œuvres. Il utilise ce symbole de l’innocence pour contraster avec l’aspect satirique et provocateur de ses toiles. Entre cynisme et poésie, nostalgie et humour noir, Kurar cherche à toucher le public par la profondeur des messages qu’il véhicule.

En 2013, il expose ses œuvres à la galerie parisienne Onega qui propulse sa carrière. Il enchaînera par la suite de nombreuses expositions personnelles dans les galeries du monde entier : New York, Los Angeles, La Réunion, Berlin, Bruxelles…

Pooshy

Alexandre Pooshy Le Baron, dit Pooshy, est un artiste français né en 1979. Il vit et travaille actuellement à Marseille.

Pooshy a grandi dans une famille évoluant dans le milieu artistique. A 15 ans, il se lance dans le dessin et s’inspire des œuvres qu’il voit dans les rues, de ses goûts musicaux (punk et rap) et d’artistes qu’il admire.

Au début, Pooshy représentait la plupart du temps des crânes sur ses toiles. Petit à petit, il se penche sur des thèmes plus personnels dans des peintures colorées qui mêlent dessins et textes. A travers son travail, il cherche désormais à partager sa sensibilité par un trait vif et primitif.

Maria de Campos

Née le 5 octobre 1977 au Portugal, Maria De Campos est une artiste peintre street-art. Elle vit et travaille actuellement à Romans-sur-Isère, dans la Drôme.

Diplômée de l’Ecole Régionale des Beaux-Arts de Valence, Maria De Campos se passionne pour les arts visuels et l’imagerie contemporaine.

A travers son oeuvre, elle met en scène des icônes d’aujourd’hui et d’hier, revisitées de façon très colorée. Pour réaliser ces icônes féminines, masculines ou bien encore animales, Maria De Campos utilise des techniques de collage et dripping (qui consiste à superposer plusieurs couleurs), travaillant toujours la matière et la couleur  de façon à surprendre et éveiller la réflexion.

Grandement inspirée du Pop Art, du Street Art et de l’Art Expressionniste, elle cherche à exprimer ses sentiments et ses pensées par le biais de portraits sublimés de célébrités dont le visage est travaillé avec mélancolie et poésie.

La question de l’identité est la problématique centrale de toutes ses créations. Dans certaines de ses oeuvres, elle masque toute expression faciale du visage de ces images iconographiques. La célébrité devient alors muette, aveugle, vide de tous ses sens. Le but de ce travail est de briser les clichés et la représentation que chacun peut se faire de ces icônes.

L’artiste a notamment voulu faire réfléchir sur l’image actuelle de la femme objet. Elle a ainsi réalisé toute une série de portraits de Marilyn Monroe, véritable archétype de la féminité, retravaillés de façon à la priver d’une quelconque expression de sensualité et d’érotisme.

Maria De Campos expose dans de nombreuses galeries en France (Paris, Saint-Raphaël, Reims) mais également à l’étranger en Suisse, aux Pays-Bas ou encore au Brésil à Sao Paulo.

Dok

Figure emblématique du graffiti en France, Dok est un artiste graffeur français né en 1979.

Dok a commencé à s’exprimer sur les murs de Paris dans les années 90 aux côtés d’artistes célèbres tels que Eyeone et Kiss. Son travail, très vite apprécié, lui permet de rejoindre rapidement les crews UV et TPK, connus pour leurs performances. Plus tard, Dok décide de créer lui-même son propre groupe qu’il nommera NWS.

Parce que l’art de la rue est un milieu aux valeurs et aux codes très précis, il est rare d’entendre parler du passé de Dok qui préfère rester dans le secret, tout comme la plupart des artistes de sa génération. Pourtant, cet art n’est pas inconnu de Dok, puisqu’il a passé 15 années de sa vie à partager son histoire sur les murs et trains de l’Europe entière en apposant sa signature aux côtés de celles de nombreux artistes.

Aujourd’hui, Dok vit à Marseille où il travaille sur toile.

Dok en action

Quentin Brachet

Né à Draguignan en 1992, Quentin Brachet est un artiste peintre exerçant depuis 2009.

Il débute sa formation artistique par une Mise A Niveaux en Arts Appliqués (MANAA) à l’Ecole de Condé à Nancy et poursuit par trois ans à l’Ecole Nationale Supérieure d’Art, toujours à Nancy. Après avoir obtenu son Diplôme National d’Arts Plastiques, Quentin Brachet pose ses valises à Lyon, quartier Valmy, en 2015.

L’artiste est adepte des techniques mixtes sur papier et innove depuis peu en travaillant le verre thermoformé. Il a participé à l’évènement « Boulevard du Graff » qui se tenait à Chartres aux mois de Mars-Avril-Mai 2017. Celui-ci réunit de nombreux street artistes qui réalisent des créations en direct, sur des bâches en PVC de 6m².

Tout d’abord très inspiré par le Pop Art et la culture rock, il s’est ensuite tourné vers l’Art Abstrait. Il l’explique ainsi : « Il y a des choses que je n’arrive pas à représenter avec l’existant, des choses que je n’arrive pas à dire avec les mots qui me sont donnés. » Ses mentors sont des figures emblématiques de ce courant artistique tels que Pollock, Soulage ou encore Georges Mathieu.

Avec son acolyte Quentin Dutheil, Quentin Brachet a récemment lancé une marque de vêtements du nom de « Sacrée Mémé ». Le concept est le suivant : revisiter les expressions de la langue française en y insérant le mot Mémé, le tout ornant t-shirts et sacs en tissu.

Julien Morel

Julien Morel est un artiste autodidacte français né en 1985, dans la région Varoise. Il vit et travaille actuellement à Saint-Raphaël.

C’est dans les années 2000 que Julien Morel se lance dans street art dans les rues de Paris. Il réalise plusieurs graffitis, fresques et collages dans d’autres villes françaises. En 2012, après avoir apposé sa marque sur les murs de la France entière, il décide de travailler sur toile. L’acrylique, la peinture à l’huile ou encore la bombe aérosol sont ses principales techniques de peinture.

Son art est facilement reconnaissable, sa signature est le code barre. Le plus souvent, Julien Morel réalise des portraits à l’acrylique sous cette forme alternant rayures blanches et noires. Dans ses œuvres, on retrouve souvent des portraits de personnes célèbres issues de la pop culture. Il lui arrive aussi de peindre des paysages urbains où l’on peut voir le contraste entre beauté et violences des zones urbaines.

Cope 2

Né en 1968, Cope 2, de son vrai nom, Fernando Carlo est un des plus importants artistes américains issus du mouvement Graffiti. Géant du street art new-yorkais, Cope 2 est devenu une célébrité dans le monde entier.

Il débute en 1978, à 10 ans, et souhaite s’exprimer dans la rue et se faire remarquer par ses pairs. Aux côtés de sa troupe, il tague son nom sur les murs de son quartier et les métros de la ville. Très vite, on lui donne le nom de « King de la ligne 4 » car il est reconnu comme étant celui qui graffe le plus et le mieux.

Dans les années 80-90, plus rien n’arrête Cope 2 et tout s’accélère. Très actif pendant ces années-là, il sera rapidement reconnu par tous comme étant l’ambassadeur du graffiti à New York.

Des artistes tels que Shepard Fairey ou encore Retna décident de collaborer avec lui, ce qui montrera à tous à quel point Cope 2 est respecté et admiré par ses pairs.

Par la suite, Cope 2 se lance dans le travail en atelier, ce qui lui permet de peindre en grande quantité et ainsi créer de grandes collections de toiles.

Alain Rodier

Alain Rodier est un artiste peintre né en 1962. Il vit et travaille actuellement à Kiev, en Ukraine. Ses œuvres sont pop, colorées et mélangent la sérigraphie, la peinture, le collage. Il trouve son inspiration dans les rues et les places de Kiev.

Il a commencé en tant que photographe de mode, dans les années 80, et a fait le tour du monde en passant par Londres, Los Angeles ou encore Sydney. Avant de se lancer dans la peinture, Alain Rodier a d’abord travaillé pour le célèbre magazine américain de mode féminin, Vogue.

En 1990, il découvre une technique d’impression créée par les Japonais : la sérigraphie. Il décide alors de se lancer dans la peinture, de quitter sa vie de photographe et de se consacrer pleinement à cette nouvelle activité. C’est en Angleterre qu’il connaîtra ses premiers succès.

Peu de temps après, Alain Rodier décide de retourner dans la ville où tout a commencé, Neuilly. Il travaille alors dans son nouvel atelier, juste au-dessus de celui qu’a occupé l’artiste peintre russe Vassily Kandinsky. Face à la Seine et la Défense, Alain Rodier est alors inspiré et prend la décision de mélanger sérigraphie, peinture et collage.

Désormais installé en Ukraine depuis 4 ans, sa marque de fabrique est le « balloonisme ». Dans la plupart de ses œuvres, Alain Rodier illustre ou contourne ses personnages avec des ballons rouges et blancs.

Rémi Bertoche

Rémi Bertoche est né en 1977 à Biarritz. Il a d’abord pratiqué le surf en tant que professionnel pendant près de 10 ans avant de se lancer dans la peinture.

En complément des projets artistiques sur lesquels il travaille, Rémi Bertoche livre plusieurs ouvrages sur le monde du surf dans la revue Freesurfing Magazine, dont il est le créateur.

Pour ce qui est de ses œuvres, Rémi Bertoche s’inspire de ses différentes expériences entre surf et rencontre avec des célébrités. Il utilise de grands formats, de couleurs vives et aux contrastes marqués. Vivant en France mais voyageant souvent à l’étranger, Rémi Bertoche nous permet de le suivre tout au long de ses aventures à travers ses œuvres généreuses.

Artiste peintre, designer et producteur, il jouit maintenant de différentes casquettes qui font de lui l’un des plus recherchés dans le domaine de l’art et de la création.